Художник Марк Ротко (Ма́ркус Я́ковлевич Ротко́вич) (1903-1970) известен в основном своей живописью цветового поля. Но почти за 50 лет творчества он создал совершенно разные картины и в итоге сформировал свой ответ на атмосферу вражды, царившую в послевоенном мире.
Марк Ротко, чье имя чаще всего ассоциируется с абстрактной живописью цветового поля, проделал в искусстве долгий путь, в котором нашлось место и фигуративной живописи, и технике ташизма, и чистому сюрреализму. Свои самые знаменитые работы – мультиформы и абстракции – художник отказывался объяснять и пресекал всякие попытки интерпретации: суть искусства – само искусство, вещественное проявление мироощущения художника, утверждал Ротко, которому с помощью одного лишь цвета удалось вызвать у зрителей и потрясение, и надежду, но чаще боль, страх и чувство одиночества.
Экспрессивные полотна Марка Ротко обладают мистической особенностью – по словам многих зрителей, картины, когда наблюдаешь их с близкого расстояния (а именно на этом настаивал сам художник), вызывают сильные эмоции – обостренное чувство одиночества или страха, вплоть до того, что стоя перед ними, особо чувствительные люди могут расплакаться. Отражение трагической стороны жизни склонны видеть в творчестве Ротко и искусствоведы – будь то ранние работы или прославившие художника мультиформы. "Трагический опыт катарсиса есть единственный источник любого искусства… Мне не интересны взаимоотношения цвета и формы или что-то в этом духе. Мне интересно только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, отчаяния", — писал Ротко.
Сын евреев-эмигрантов, уехавших в США из тогда еще российского Двинска за несколько лет до революции, Маркус Роткович перебрался в Нью-Йорк из Нью-Хейвена, штат Коннектикут, в 1923 году, в разгар "эпохи джаза", когда звуки буги-вуги доносились из каждого манхэттенского бара, а обессиленный войной мир жаждал веселья и развлечений. Именно тогда Ротко, только что бросивший учебу в Йельском университете, попал на курсы к Максу Веберу, у которого научился понимать искусство как способ самовыражения и чье влияние чувствуется во многих ранних работах Ротко. Несколько первых лет в Нью-Йорке он зарабатывал на жизнь преподаванием живописи детям, повторяя своим ученикам мысль о том, что живопись должна даваться легко — быть процессом не тяжелее пения.
Его серия картин, изображающих нью-йоркскую подземку, в частности, самая известная из них "Вход в метро" (1938) — еще совсем не то, чем Ротко прославился в последующие десятилетия и с чем его ассоциируют до сих пор. Это не реализм, но здесь присутствуют отчетливые фигуры людей и архитектура станций, хотя прослеживается и другое — узнаваемая работа с цветом и общее мрачное настроение, присущие поздним полотнам художника. Само пространство действия — подземный мир — у Ротко становится метафорой внутренних переживаний и неосознанной тревоги, чувств, которые во время Великой Депрессии для многих превратились в непроходящие.
Беспокойство, которое витало в воздухе на протяжении всех 1930-х, у Ротко неотделимо от урбанистических пейзажей — люди на его картинах, будь то одиноко застывшие фигуры или пара спутников — находятся в своей привычной среде и повседневных заботах, но каждый из них погружен в себя и охвачен тревогой, как, например, в "Уличной сцене" (1937). Нью-Йорк с его бесчисленными закусочными, барами и кинотеатрами, а также погруженными в свои мысли жителями, в 1930-х и 1940-х стал индикатором всеобщей подавленности не только для Марка Ротко — именно тогда на первый план вышла американская жанровая живопись, образцом которой можно считать знаменитых "Полуночников" Эдварда Хоппера. Но живопись Ротко уже тогда была непохожа на картины других художников, выполненные в натуралистической манере — в том, как изображены края платформы, стены и колонны станций метро, можно разглядеть первые шаги Ротко к его абстрактной живописи, понимание того, что искусство должно выражать жизнь посредством эмоций, а не описания.
Другие картины Ротко того же периода, преимущественно именуемые Untitled (неназванные, безымянные), изображают фигуры людей, с беспокойством, а иногда и ужасом в глазах смотрящих на что-то вне поля зрения зрителя. Одни из самых показательных работ — Портрет обнаженной в углу комнаты (1937-38), и Картина с двумя фигурами у окна (1938). Зритель, наблюдающий эти картины, чувствует себя не менее неуютно и беспокойно, чем их герои.
В конце 1930-х- начале 1940-х Нью-Йорк покоряет сюрреализм — в Штаты из Европы переезжают некоторые художники-новаторы, в числе которых — Сальвадор Дали. Марк Ротко вместе с Адольфом Готлибом и Барнеттом Ньюманом проводят много времени, обсуждая идеи Дали, Жоана Миро, Макса Эрнста и Пита Мондриана, и неизбежно оказываются под их влиянием. Сюрреалистический период творчества Ротко, впрочем, вновь оказывается непохожим ни на кого другого, а говоря о влиянии, здесь наряду с пионерами европейского авангарда следует упомянуть "Рождение трагедии" Фридриха Ницше и мифологию с ее символикой. В то же время Ротко увлекался трудами Фрейда и Юнга, а в 1940 году даже на время оставил живопись, чтобы полностью погрузиться в теорию коллективного бессознательного и архетипическое толкование сновидений.
Результатом стало новое направление в творчестве, когда Ротко отказался от изображения жизни с помощью современных образов и поставил своей целью с помощью мифологических символов освободить человека от заполняющей его пустоты.
Сюрреалистические картины этого периода — "Жертвоприношение Ифигении", "Антигона", "Иерархические птицы" — не менее мрачные, чем его предыдущие работы: здесь и ладони, сложенные в мольбе, и половина человеческого тела, и фрагменты рук и ног. Картину The Omen of the Eagle (название можно перевести как "знак" или "знамение орла") художник назвал "воплощением трагической идеи".
Искусство Ротко снова изменилось в середине 1940-х, когда на смену мифологемам пришли абстрактные картины, в которых некоторые специалисты видят отсылки к "Рождению Венеры" Сандро Боттичелли, другие — отражение событий в личной жизни художника — именно тогда Ротко встретил свою вторую жену. Его картина "Медленное кружение на краю моря" (1945)по настроению гораздо более светлая, а в абстрактном изображении можно увидеть две человеческие фигуры, подчиненные взаимоотношениям цвета и формы.
Враждебная атмосфера послевоенного мира толкает Марка Ротко на новый творческий поиск, который от техники ташизма (абстрактная живопись пятнами) привел его к квинтэссенции творчества — знаменитой Часовне Ротко.
Ужасы войны и ее бессмысленность стали одной из главных тем творческой рефлексии второй половины 1940-х и 1950-х годов. Близкий друг Ротко Барнетт Ньюманн тогда произнес слова, ставшие манифестом для многих художников — "Больше нет никакой возможности писать так, как раньше и то же самое, что раньше" — и сам оставил живопись на четыре года. В это время Марк Ротко едет в Европу, где во Флоренции посещает библиотеку Медичи, построенную по эскизам Микеланджело, а также ищет вдохновение в работах двух своих любимых художников — Рембрандта и Уильяма Тернера. Ни тот, ни другой не повлияли на очередное перерождение Ротко так, как "Красная студия" Анри Матисса, которую художник увидел в Нью-йоркском Музее современного искусства в 1949 году, когда простоял у картины несколько часов. Полотно французского живописца, известного своим новаторским обращением с цветом, указало Ротко дальнейший путь — именно тогда он стал писать сначала мультиформы (один из известных примеров — No.9, 1948 года), а после пришел к собственному стилю, сделавшему его одним из самых значимых художников своего поколения.
В начале 1950-х абстрактный экспрессионизм Марка Ротко стал чем-то совершенно новым в американской живописи. Говоря о картинах других художников, часто оказывавших успокаивающее, расслабляющее воздействие, Ротко говорил, что его работы "имеют противоположную цель" и пишутся не для истории или студий, а для людей, чья реакция была единственной ценностью, приносившей художнику удовлетворение.
"Тот факт, что многие люди вдруг теряют себя и могут разразиться рыданиями перед моими картинами, означает, что я могу сообщаться с их основными человеческими эмоциями… Люди, плачущие перед моими полотнами, переживают тот же религиозный трепет, что переживал я, когда рисовал их. А если вас тронули только колористические отношения, то вы упустили самое главное", — заметил Ротко.
И тогда, и сейчас эксперты сходятся в том, что его живопись цветового поля — не о том, какие эмоции может вызвать цвет, а о том, как Ротко заставляет цвет так действовать на зрителя.
Глубина, заложенная в полотна Ротко, сделала его наряду с Джексоном Поллоком самым авторитетным американским художником, его картины возили в Европу, чтобы показать, что и в искусстве США есть глубина. В период с 1954 по 1957 год работы Ротко утроились в цене, и когда в 1955 году владельцы пафосного ресторана "Четыре сезона", расположенного в небоскребе Seagram building, решили украсить стены заведения работами современного художника, выбор мог пасть только на Марка Ротко. Величина контракта составила, в переводе на нынешний курс, два с половиной миллиона долларов, и около года Ротко работал над фресками, а главной его целью, по собственному признанию, было заставить толстосумов, проводивших время в ресторане, почувствовать себя пойманными в ловушку. Он собирался окружить людей, чьи столы ломились от икры и лобстеров, непрерывным полотном, воздействовать на них силой искусства.
Незадолго до сдачи заказа Ротко вместе с женой пришел в "Четыре сезона", где после ознакомления с меню заявил, что "люди, готовые платить за еду такие деньги, никогда не будут смотреть на мои картины". Контракт был расторгнут, а фрески Ротко попросил вернуть.
Ротко писал свои абстрактные полотна до конца жизни, в последние годы сконцентрировавшись на насыщенном черном цвете. Самыми знаменитыми картинами этого периода и, по мнению критиков, венцом всего творчества художника стали 14 полотен, написанные по заказу филантропов Джона и Доминик Де Менил для Часовни, расположенной в Хьюстоне. Перед входом в Часовню расположена скульптура Барнетта Ньюмана, посвященная Мартину Лютеру Кингу. Сегодня Часовня Ротко, открытая для людей всех конфессий, стала не просто наследием художника, но и местом, ассоциирующимся с идеей всеобщего равенства.
Успех лишь усугубил чувство изоляции, которое испытывал художник. В свете его философии, обличавшей повсеместную коммерциализацию искусства, неоднозначно выглядят и сегодняшние ценовые рекорды ("Оранжевое, красное, желтое" в 2012 году ушла с торгов за $86,9 млн), которые картины художника вновь и вновь устанавливают на аукционах — это победа Ротко или его поражение? Как бы то ни было, главный смысл и цель, которые он закладывал в свои полотна — апелляция к основным человеческим эмоциям — содержатся в них и сегодня, в чем можно убедиться, например, в лондонской галерее Tate. Туда его фрески, созданные для небоскреба Seagram, привезли 25 февраля 1970 года. По жуткому совпадению, в этот же день ассистент Ротко обнаружил художника мертвым на кухне его квартиры, в луже собственной крови.

Где-то я слышал, что мужчины врут, когда говорят, что любят сухое вино и худых женщин, на самом деле они любят пиво и толстушек. Колумбиец Фернандо Ботеро (1932) и не скрывает своего пристрастия к полным людям, Ботеро изображает исключительно толстяков, у него толстые все — люди, лошади, собаки, даже яблоки. Влиятельная арт-критикесса Роберта Смит пренебрежительно назвала их «резиновыми надутыми куклами». Тучность стала для него мерой красоты, идеалом, его творческим кредо.Произведения Ботеро, будь то живопись, скульптура или графика, легко узнаваемы, и, если уж один раз их увидел, то никогда не забудешь.
Живопись и скульптуру Ботеро в мире признают слишком уж серьезно, как говорится, «за большие деньги». Автор этим пользуется, выпуская в тираж огромное количество работ, все время возвращаясь к одним и тем же сюжетам и темам. От этого в его картинах не виден «рост мастера», если не знать годы создания многих работ, то картины, написанные с разницей в 10-15 лет, смотрятся, как работы, сделанные в один год. .
Колумбийский художник, мастер живописи гротескно-традиционалистского направления, близкого «наивному искусству». На его красочных полотнах китч и фольклорный колорит соседствуют с итальянским ренессансом и колониальным барокко.
Родился Фернандо Ботеро в городе Медельин (Колумбия), известном в мире своим картелем наркодельцов, в семье коммерсанта. Его семья потеряла своё состояние, а отец умер, когда будущий художник был ещё очень юным. Посещал училище ордена иезуитов.
Его детская мечта была - стать тореадором. В 1944 был отправлен на несколько месяцев в школу матадоров (зафиксировав эти впечатления в первых своих рисунках, посвященных корриде).
Тем не менее, в возрасте 15 лет он удивил всю своих родных известием о том, что намеревается стать художником, что совершенно не вписывалось в правилах его консервативной семьи, где художество могло быть увлечением, но не профессией. Приехав в Боготу (1951), познакомился с местными авангардистами, вдохновлявшимися мексиканским революционным искусством.
Ботеро в качестве иллюстратора постепенно добился того, что его рисунки на разную тематику оформляли статьи в газете "Эль-Коломбиано". Но затем решился уехать в Европу в поисках новых знаний. Совершил путешествие в Испанию (1952). Эта была его первая поездка за пределы родины. До Испании он добрался на корабле. Уже в Мадриде записался в художественную школу Сан-Фернандо, был потрясен живописью Д.Веласкеса и Ф.Гойи.
В его творчестве встречаются многочисленные реминисценции Веласкеса и Гойи.
Через некоторое время приехал во Флоренцию, где обучался в Академии Сан-Марко (1953–1954) у профессора Бернарда Беренсона. Там он познакомился с итальянским искусством эпохи Возрождения.
Позже, в 1952 вернулся на родину и организовал свой первый вернисаж в галерее Лео Матиса. Но, в общем, молодой художник мало чем выделялся среди сотен своих талантливых соотечественников. Его картины были настолько разнородны, что посетители поначалу сочли, что это выставка нескольких художников. Диапазон художников, оказавших влияние на его первые картины, колебался от Поля Гогена до мексиканских живописцев Диего Риверы и Хосе Клементе Ороско. Правда, юный самоучка из городка в Андах никогда не видел оригинальных работ этих художников, как, впрочем, и других. Его знакомство с живописью ограничивалось репродукциями из книг. В том же 1952 году принял участие в конкурсе Национальный художественный салон, где занял второе место своим произведением "У моря". В 1956 побывал в Мексике. Выработал свой характерный стиль во второй половине 1950-х годов. До 1955 года его основные сюжеты были обычные мужчины и лошади, тогда ещё не открыл для себя ни "толстушек", ни монументальные скульптуры, которым он обязан своей всемирной славой. Они "пришли" как бы случайно, когда однажды в Боготе в своём "Натюрморте с мандолиной" инструмент вдруг приобрёл невиданные размеры. И с этого момента Ботеро нашёл свою тему. Мандолину я не нашел, поэтому представляю такую же, но гитару и еще один натюрморт.
Элементы итальянского и испанского Ренессанса-барокко, равно как и барокко латиноамериканского вкупе с изо-фольклором и китчем в духе «наивного искусства» и даже черт примитивизма, составили в творчестве Ботеро причудливый сплав.
Предметы и фигуры предстают в его живописи и графике подчеркнуто пышными, самодовольно разбухшими, пребывающими в сонном покое, – этот волшебный транс напоминает провинциально-застойную и в то же время «магическую» атмосферу рассказов Х.Л.Борхеса и романов Г.Г.Маркеса.
Ни в какой другой теме не проявляются у Ботеро объемные формы столь агрессивно, как в обнаженных женских образах; ни один другой мотив его художественного мира не остается так долго в памяти, как эти грузные фигуры с преувеличенно полными бедрами и ногами. Именно они вызывают самые сильные чувства у зрителя: от неприятия до восхищения.
Несмотря на то, что Ботеро чаще всего обращается к жанровому портрету, в его творчестве фигурирует также тема криминала, военных конфликтов и издевательств.
Свойственный его искусству мягкий юмор порой сменяется сатирой – антиклерикальной, например, Мертвые епископы (1965, Галерея современного искусства, Мюнхен) либо нацеленной на латиноамериканские военные диктатуры , типа Официальный портрет военной хунты (1971, частное собрание, Нью-Йорк). Указанные картины не нашел, но представляемые ниже репродукции отражают заданную тему.
В конце 90-х Ботеро написал серию картин, адресующих беспощадность и жестокость враждующих между собой группировок, продающих наркотики (вспомним, что Колумбия – это страна, где даже вход в галантерейный магазин охраняет мощный пятнистый красавец с ружьем).
Не обошел стороной Ботеро и высшую власть Колумбии, обращаясь к этой теме трижды. Мне лично интересна судьба этих полотен и мнение портретируемых о работе художника. Ботеро всегда отзывается на то, что происходит в мире. Недавно он создал серию картин, которые рассказывают об издевательствах американских военных над заключенными в иракской тюрьме «Абу-Грейб». Серия «Абу-Грейб», по словам Ботеро, продолжает тему жестокости и насилия в мире.
Но вернемся к биографии художника!
В 1964 г. Ботеро женился на Глорие Сеа, которая впоследствии родила ему троих детей. Позже они перебрались в Мексику, где испытывали большие материальные трудности. Здесь уместно поместить произведения художника, посвященные любви и семье.
За этим последовал развод, и тогда художник перебрался в Нью-Йорк, иногда наезжая в Париж. Деньги быстро закончились, а его знание английского оставляли желать лучшего. Тогда художник вспомнил свой "европейский" опыт и стал, как и тогда, переписывать великие произведения, которые потом продавал посетителям музеев и галерей.
Отдельные его работы более свободны по манере письма , но в любом случае сюжеты восходят к классическим, хорошо знакомым образам, хотя и обретающим неизменно пародийный характер. Я специально помещаю с картинами Ботеро оригиналы, чтобы вы почувствовали разницу.
Одновременно Ботеро работал над собственными произведениями, добиваясь того, чтобы быть принятым в Галерею Мальбро, что и произошло в 1970 г., где художник и предстал для всего мира. Вскоре Ботеро вернулся в Европу, и на этот раз его приезд был триумфальным. С 1983 года жил в тосканском городке Пьетрасанта.
Ботеро творит в разных странах мира: в его доме в Париже пишет большие полотна, в Тоскане (Италия) проводит лето со своими сыновьями и внуками, создает свои громадные скульптуры, на Лазурном берегу Монте-Карло, создает свои самые маленькие произведения акварелью и тушью, в Нью-Йорке пишет более большие картины пастель и акварели.
Его покорение Парижа завершило пятнадцатилетнюю борьбу за успех и превратило Мастера Фернандо Ботеро в одного из самых значимых из ныне живущих художников мира.
В 1992 г. Жак Ширак, будучи в то время мэром Парижа, во время кампаний по облагораживанию Парижа выбрал именно Ботеро, даже не француза, для составления эксклюзивной выставки на Елисейских Полях. Такой чести не удостаивался до этого ни один художник.
С тех пор разные города мира приглашают Фернандо Ботеро, чтобы при показе его произведений придать большего размаха своим празднованиям. Так было в Мадриде, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Буенос Айресе, Монте-Карло, Флоренции и многих других. Другие города приобрели его произведения за очень большие суммы, а другие стоят в очереди. С другой стороны, как, если не карикатурами, в лучшем случае – дружескими шаржами, можно назвать его портреты известных художников?
Его произведения котируются, как одни из самых дорогих в мире, как например картина "Завтрак на траве". Это парафраз знаменитейшего одноименного полотна родоначальника импрессионизма Эдуарда Мане, написанный Фернандо Ботеро в 1969 году. Только если у Мане одетые мужчины оказались в компании обнаженных женщин, у Ботеро монументальная дама одета, а мужчина разлегся голышом на траве и покуривает папироску. На Sotheby`s картина была продана за один млн. долл. США.
На рубеже 20–21 вв. стал самым знаменитым из латиноамериканских художников его поколения. Уже сейчас творческое наследие Ботеро огромно - это почти 3 тысячи живописных полотен и более 200 скульптурных произведений, а также бесчисленное количество рисунков и акварелей. В России есть его произведение "Натюрморт с арбузом" (1976-1977), подаренное автором государственному музею "Эрмитаж" и выставленное в Зале Искусства Европы и Америки ХХ века.
С 1973 все активней занимался скульптурой, варьируя в ней все те же гипертрофированно-пышные фигуры людей и животных. Персонажи Ботеро не кажутся "надутыми", они тяжелые и окаменелые. Именно поэтому колумбийский мастер не менее чем живописью, прославлен своей скульптурой: бронза и мрамор — самые подходящие материалы для его гигантских фигур.

Мона-Лиза от Ботеро
Эти произведения украсили многие города мира (Медельин, Боготу, Париж, Лиссабон и др.) в виде своеобразных героико-комических монументов.
О щедрости художника в Колумбии ходят легенды. Например, музею изобразительных искусств Боготы, он подарил коллекцию живописи, оцениваемую в 60 миллионов долларов. В дар родному городу Меделлину художник передал 18 скульптур, с показанных на выставках в Мадриде, Париже, Нью-Йорке, Чикаго, и почти сотню картин, составивших основу экспозиции Площади Искусств. В общей сложности дар художника колумбийским собраниям превысил 100 миллионов долларов. Недаром влиятельный в Колумбии журнал "Семана" в десятке самых популярных личностей назвал и Фернандо Ботеро. Четыре вечера, "проведенные" с живописью Ботеро, как-то примирили меня с творчеством художника. То ли оттого, что в некоторых героях Ботеро я узнал себя, то ли оттого, что картин было так много, что они уже не вызывали удивления и непонимания. Точно так в свое время я не полюбил, но умом принял квадратных женщин Пикассо. И закончить пост мне хотелось бы собранной у Ботеро же "серией" двойных картин, о которых я упомянул в начале.
Увы, автор не назван, но большое ему спасибо за данный материал (Мачо)

Томас Коул родился в 1801 году в городе Болтон в Англии. В 1818 году его семья эмигрировала в Соединённые Штаты и обосновалась в городе Стьюбенвилл штата Огайо, где Коул начал изучать основы своей профессии у бродячего художника-портретиста Стейна. Особый успех в написании портретов ему не сопутствовал, поэтому вскоре он переключил своё внимание на создание пейзажей.
В 1825 году Коул переехал в Нью-Йорк, где ему удалось продать несколько своих работ состоятельному коммерсанту Джорджу Бруену, который вскоре профинансировал летнюю поездку Коула в долину Гудзон, где тот написал такие свои известные работы как Водопад Каатерскилл и Вид форта Патнэм. Вернувшись в Нью-Йорк, художник выставил написанные в путешествии пейзажи на витрине книжного магазина, что привлекло внимание Джона Трамбалла, Эшера Дюрана и Уильяма Данлэпа. Особенно впечатлён работами юного пейзажиста оказался художник Джон Трамбалл, который, отыскав Коула, купил одну из его работ и познакомил его с Робертом Гилмором и Дэниелом Уодсвортом, ставшими покровителями художника.
Кроме пейзажей Коул занимался написанием аллегорических работ. Наиболее известные из них — серия из пяти картин Путь Империи (англ. Course of Empire), а также серияПлавание в жизнь (англ. The Voyage of Life), состоящая из картин, посвящённых четырём периодам жизни человека: детству, юности, зрелости и старости.
Коул стал основателем Школы реки Гудзон, в которую входило более 50 пейзажистов. Школа прославляла дикую природу Америки и ставила под сомнение целесообразность технического прогресса. В работах художников школы природа описывалась как эталон девственности и чистоты, подчёркивая тем самым божественность её происхождения.
Томас Коул был женат, имел 5 детей. Скончался он 11 февраля 1848 года в Кэтскилле.