Фра́нтишек Ку́пка (чеш. František Kupka;  1871 – 1957) – чешский художник, бо́льшую часть жизни прожил во Франции. Один из первых представителей абстрактной живописи, представитель орфизма. Творческий стиль Купки эволюционировал от реализма к абстрактному искусству.
Купка родился в семье ремесленника. В 1888 –1891 годах учился в пражской Академии изобразительных искусств, создавая в то время картины на исторические и патриотические темы. В 1891 году переехал в Вену, где поступил в Академию изобразительного искусства, сконцентрировавшись на создании полотен на символические и аллегорические сюжеты. В тот же период началось его увлечение теософией и восточной философией. С 1895 года Купка жил в Париже, недолго посещал частную академию художеств «Académie Julian», затем учился в Школе изящных искусств. Иллюстрировал книги (в том числе труд «Человек и Земля» Ж. Ж. Э. Реклю), оформлял плакаты, стал известен как автор сатирических рисунков в газетах и журналах под псевдонимом «Поль Реньяр». В 1906 году поселился в парижском пригороде Пюто, в том же году впервые выставлялся в Осеннем салоне (Salon d'Automne).
Купка был глубоко впечатлён первым «Манифестом футуризма» Филиппо Маринетти, опубликованном в 1909 году в газете «Фигаро». Картиной 1909 года «Клавиши пианино, или Озеро» (Национальная галерея в Праге) отмечен перелом в стиле Купки. В работах 1908 –1911 годов – влияние фовизма и пуантилизма. Полотна, созданные в 1910—1911 годах, стали более близки к абстрактному искусству, отражая его теории о движении, цвете, отношении музыки и живописи (орфизм). В 1911 году он посетил собрания кубистов из группы «Пюто». В 1912 году принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» в Салоне независимых (Salon des Indépendants), хотя в то время ещё не идентифицировал себя полностью с кубизмом.
В 1919 году стал профессором пражской Академии художеств, обучая студентов, проходивших практику в Париже. В 1919 – 1938 годах Купку финансово поддерживал его близкий друг, коллекционер живописи и промышленник Джиндрич Волдес, собравший значительную коллекцию работ художника.
В 1931 году Купка вместе с другими представителями искусства основал группу «Abstraction-Création» («Абстракция-Творчество»). В 1936 году его работы демонстрировались на выставке «Кубизм и абстрактное искусство» в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а также на выставке картин другого известного чешского художника Альфонса Мухи в галерее «Жё-де-Пом» (Париж). Ретроспективная выставка картин Купки состоялась в 1946 году в галерее «Манэс» (Прага). В том же году участвовал в Салоне новых реальностей (Salon des réalités nouvelles), где продолжал регулярно выставлять свои творения до конца жизни. В начале 1950-х годов приобрёл широкое признание, проводил несколько персональных выставок в Нью-Йорке. Последние годы жизни Купка провёл в Пюто, где умер в 1957 году.

Густав Климт (нем. Gustav Klimt) (14 июля 1862, Баумгартен, Австро-Венгрия – 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия) – широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм.
Родился в венском предместье Баумгартен 11 июня 1858 в семье художника-гравёра и ювелира Эрнеста Климта. Густав был вторым из семи детей – трёх мальчиков и четырёх девочек. Отец Климта был выходцем из Богемии и гравёром по золоту, мать, Анна Климт, урождённая Финстер, пыталась, но не смогла стать музыкантом. Большую часть своего детства Климт провёл в бедности, так как экономическая ситуация в стране была тяжёлой, и его родители не имели постоянной работы. Все три сына Эрнеста Климта стали художниками.
Первое время Густав учился рисовать у отца, а затем с 1876 года – в венском художественно-ремесленном училище при Австрийском музее искусства и промышленности (преподаватели Карл Граховина, Людвиг Миннигероде, Михаэль Ризер), в которое в 1877 году также поступил и его брат Эрнст. Густав Климт обучался там до 1883 года и специализировался на архитектурной живописи. Образцом для него в этот период был художник исторического жанра Ганс Макарт. В отличие от многих других молодых художников, Климт согласился с принципами консервативного академического образования. С 1880 года Густав, его брат Эрнст и их друг художник Франц Матч работали вместе, украшая фресками театры в Райхенберге, Риеке и Карловых Варах (городах австро-венгерской провинции). В 1885 году они работали над оформлением венского здания «Бургтеатра» и Художественно-исторического музея. В 1888 году Климт получил награду от императора Франца Иосифа – «Золотой Крест» за заслуги в искусстве. Он также стал почётным членом Мюнхенского и Венского университетов.
В 1892 году отец и брат Эрнст умирают, и на Густава ложится финансовая ответственность за семью. Кроме того, эти события наложили отпечаток на его художественный взгляд, и в скором времени он начал развивать глубоко индивидуальный стиль. В начале 1890-х художник встречает Эмилию Флёге, которая, несмотря на его отношения с другими женщинами, оставалась его спутницей до конца дней.
Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Ver Sacrum (журнал)» (Весна Священная), издаваемого группой. Он оставался в группе до 1908 года. Изначально целями Сецессиона были устройство выставок для молодых художников, пишущих в необычном стиле, привлечение лучших работ зарубежных художников в Вену, и популяризация работ членов группы путём издания журнала. У группы не было манифеста, и она не пыталась выработать единый стиль: в ней сосуществовали натуралисты, реалисты и символисты. Правительство поддержало их усилия и сдало им в аренду участок городской земли для постройки выставочного зала. Символом группы была Афина Паллада, символ правосудия, мудрости и искусства.
С начала 1890-х годов Климт ежегодно отдыхал вместе с семьёй Флёге на озере Аттерзе и написал там множество пейзажей. Пейзажный жанр был единственной нефигуративной живописью, интересовавшей Климта. По стилю пейзажи Климта похожи на его изображения фигур, они содержат те же элементы дизайна. Пейзажи Аттерзее настолько удачно вложены в плоскость полотна, что иногда предполагают, что Климт рассматривал их в телескоп.
В 1894 году Климт получил заказ на создание трёх картин для украшения потолка главного здания Венского университета. Картины «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» были закончены к 1900 году. Их резко критиковали за тематику, которую называли «порнографической». Климт преобразил традиционные аллегории и символы в новый язык, с большим ударением на эротику, и потому более раздражающий консервативных зрителей. Недовольство высказывали все круги – политические, эстетические и религиозные. В результате картины не были выставлены в главном здании университета. Это был последний публичный заказ, который художник согласился выполнить. После этого картины приобрели частные коллекционеры, а когда Германия в 1930-е годы захватила Австрию, нацистское государство их присвоило. В конце войны эти работы перевезли в замок Иммерхоф, но в 1945 году в эту местность вошли союзнические силы, и отступающие войска СС подожгли замок. Картины погибли. Все, что сегодня имеется, – это разрозненные предварительные наброски, плохие черно-белые снимки трех картин и одна цветная фотография Гигеи из «Медицины». Ее сверкающие золотые и красные краски дают представление о том, сколь мощно выглядели эти три утраченные произведения искусства.
Картиной «Обнажённая истина» (1899) Климт продолжил вызов общественности. Обнажённая рыжая женщина держит зеркало истины, над которым помещена цитата из Шиллера: «Если ты не можешь твоими делами и твоим искусством понравиться всем, понравься немногим. Нравиться многим – зло».
В 1902 году Климт завершил Бетховенский фриз для 14-й выставки Сецессиона. Фриз представлял собой часть памятника композитору и содержал также монументальную раскрашенную скульптуру работы Макса Клингера. Фриз предназначался только для выставки и был выполнен непосредственно на стене нестойкими материалами. После выставки фриз был сохранён, хотя и не выставлялся больше до 1986 года.
«Золотой период» творчества Климта отмечен позитивной реакцией критики и является самым успешным для Климта. Название периода происходит от позолоты, использованной во многих работах художника, начиная с «Дворца Афины» (1898) и «Юдифи» (1901), но наиболее известной его работой этого периода является «Поцелуй» (1907–1908). Золотой фон и символика, близкая византийской, восходят к мозаикам Венеции и Равенны, увиденным Климтом во время путешествия по Италии. В это же время он увлёкся декоративным искусством в стиле ар-нуво. В 1904 году он с группой художников получил заказ на отделку дворца Стокле, принадлежащего бельгийскому промышленнику и ставшему одним из известнейших памятников ар-нуво. Климту принадлежат детали украшений столовой, которые он сам относил к своим лучшим декоративным произведениям. Между 1907 и 1909 годами Климт выполнил пять портретов женщин, одетых в меха.
Климт вёл довольно простой образ жизни, работал в собственном доме, посвящал всё время живописи (в том числе движению Сецессиона) и семье, и не состоял в дружеских отношениях с другими художниками. Он был достаточно знаменит для того, чтобы получать много частных заказов, и имел возможности выбирать из них то, что было ему интересно. Как и Роден, Климт использовал мифологию и аллегорию для маскировки своей глубоко эротической натуры, и его рисунки часто выдают чисто сексуальный интерес к женщинам. Как правило, его модели соглашались позировать в любых сколь угодно эротических положениях; многие из них были проститутками.
Климт очень мало писал о своем ви́дении искусства или своих методах. Он не вёл дневника, и посылал Флёге открытки. В сочинении «Комментарий на несуществующий автопортрет» он утверждает: «Я никогда не писал автопортретов. Меня гораздо меньше интересую я сам в качестве предмета картины, чем другие люди, прежде всего женщины… Во мне нет ничего особенного. Я художник, пишущий день за днём с утра до ночи… Кто хочет что-нибудь обо мне знать… должен внимательно рассмотреть мои картины».
Густав Климт никогда не был женат, но у него были многочисленные романы. Ему приписывают от трех до сорока внебрачных детей.
В его наиболее длительных и близких отношениях с женщиной секс, возможно, вообще отсутствовал по мнению биографов.
Климт познакомился с Эмилией Флюге в начале 1890-х, когда ее сестра Хелен вышла замуж за Эрнста, брата художника. После смерти Эрнста Хелен вернулась в родительский дом вместе с дочкой,опекуном которой был назначен Густав.
В 1904 году три сестры Флюге основали дом моды и сделались ведущими венскими кутюрье. Адаптируя парижские моды к местным вкусам и создавая собственные модели, сестры одевали самых элегантных – и богатых – женщин Австрии. Климт внес свой вклад в модели Флюге и помог декорировать зал для демонстраций.
Постепенно Эмилия и Густав стали неразлучны – по крайней мере, в делах. Многие биографы и эксперты сомневаются в том, что у них был роман. Эмилия гордилась своей современностью, в личной жизни никто ей был не указ и Климт, похоже, относился к ней как к равной ему личности.
Они были настолько близки, что последними словами сраженного инсультом Климта были: «Пошлите за Эмилией».
В 1911 году картина Климта «Жизнь и смерть» получила приз на Всемирной выставке в Риме. В 1915 году умерла его мать.
6 февраля 1918 Густав Климт умер в Вене от пневмонии, перенеся перед этим инсульт. Он был похоронен на Хитцингском кладбище в Вене. Множество картин остались незаконченными.
В качестве объектов изображения Климт предпочитал женщин. Если в его картине оказывался мужчина, то его лицо обычно скрыто или спрятано.
Так например, в «Поцелуе», самой прославленной работе художника, мужчина склонился над женщиной, и его лицо повернуто прочь от зрителя, когда он прижимается губами к ее щеке. Женщина, наклонив голову под неестественно прямым углом, кажется, теряет сознание в его объятиях. Обе фигуры, одетые в золото, стоят на коленях средь цветов.
Многие современные критики, особенно искусствоведы-феминистки, критикуют манеру Климта изображать женщин как пассивный объект мужского желания; они отмечают, что мужчина в «Поцелуе» доминирует над женщиной, вынужденной жаться к нему в поисках опоры.
С 1910 года Климт начал отходить от перегруженного декоративностью стиля. На втором портрете Адели Блох-Бауэр, написанном в 1912 году, экстравагантного золота уже нет; теперь Климту важнее цвет: облаченная в белое Адель изображена на фоне синих, зеленых и розовых цветовых пятен. Но, Климту не хватило времени выработать новый стиль. Разразилась Первая мировая война, а 6 февраля 1918 года он умер.
В 2006 году состоялась премьера фильма «Климт» о жизни художника, режиссёр Рауль Руис, в главной роли Джон Малкович. Фильм получил приз Федерации киноклубов России как лучший фильм основной конкурсной программы XXVIII Московского международного кинофестиваля.
В 2009 году в Австрии состоялась премьера мюзикла "Густав Климт", в котором роль Климта исполнил Андре Бауер, а Эмилию Флёге сыграла Сабине Найберш. 1 сентября по 7 октября 2012 года состоялась венская премьера мюзикла.
Сто тридцать пять миллионов долларов было заплачено на аукционе в 2006 года за «Портрет Адели Блох-Бауэр», написанный Густавом Климтом в 1907 году.
В открывающей и закрывающей композиции аниме - сериала Мамору Канбэ "Эльфийская песнь" главные герои сериала предстают перед зрителем в интерпретированном виде известнейших картин Густава Климта: «Поцелуй», «Объятия», «Три возраста женщины», «Портрет Адели Блох-Бауэр I», «Водяные змеи I», «Водяные змеи II», «Даная»
Информация: Википедия

Уильям Холман Хант изобразил в произведении «Изабелла и горшок с базиликом» сцену из одноименной поэмы английского поэта Джона Китса, когда Изабелла ласкает горшок с базиликом, в котором она закопала отрезанную голову своего любовника Лорензо.
Хант сделал наброски иллюстраций к поэме еще в 1848 году, сразу после основания братства прерафаэлитов, но долго не мог довести их до полноценной картины. Иллюстрации содержали разные сцены, изображали Лорензо работающим клерком, братьев Изабеллы, просматривающих счета.
Хант вернулся к написанию картины в 1866 году после свадьбы, в это время он особенно увлекался написанием картин с эротическим содержанием. Идея «Изабеллы и горшка с базиликом» пришла к Ханту во время написания «Il Dolce Far Niente», которая была продана в очень короткие сроки. Работу над картиной Хант начал во время путешествия по Италии со своей беременной женой Фанни Фо. Однако, его жена умерла после рождения ребенка в декабре 1866 года от лихорадки. Хант превратил картину в своего рода дань памяти своей жене, использовав ее черты при создании образа Изабеллы. Он работал над картиной в Италии еще месяц, после чего вернулся в Англию и закончил картину в январе 1868 года. Картина была куплена и выставлена на обозрение арт-дилером Эрнестом Гембертом.
Картина изображает Изабеллу, страдающую бессонницей. Изабелла одета в полупрозрачную ночную рубашку и только что встала с постели, которая видна на заднем плане. Она облокотилась на созданный для Лорензо инкрустированный аналой, над которым развешена богато украшенная скатерть. На ней горшок-майолика, украшенный черепами – в нем погребен череп Лорензо. Богато украшенные волосы Изабеллы лежат вокруг цветущего растения.
Акцент на чувствительности, яркости красок, тщательно продуманных декоративных элементов отражает черты декоративного движения в искусстве того времени и имеет черты, сходные с картинами других членов Братства Прерафаэлитов, например с картиной Миллеса Джона Эверетта «Pot Pourri» и «Venus Verticordia» Данте Габриэля Росетти. Поза Изабеллы также напоминает скульптуру Томаса Вулнера «Цивилизация», позировала для которой сестра Фанни Фо Алиса.
Работа Ханта повлияла на многих более поздних художников, которые перенимали образ главного героя. Наиболее примечательны Джон Уайт Александер и Джон Уильям Уотерхаус. Александер и Уотерхаус заимствовали заглавие Ханта и создали вариации на его композицию. Александер приспособил работу Ханта под уистлеровский стиль. Уотерхаус перевернул картину, перенес действие в сад, но сохранил главный мотив и тоже украсил горшок черепами.

Французский художник, иллюстратор, мастер пастельной живописи, Эмиль Леви родился 29 августа 1826 года в Париже. Первоначально обучался живописи в мастерских художников Александра Абеля де Пюжоля и Франсуа-Эдуара Пико, затем проходил обучение в Школе изящных искусств в Париже. Впервые Эмиль Леви выставил свои картины в Салоне 1848 года. В 1854 году Леви получил академическую премию Приз де Рома, дающую право продолжения образования в Италии, за картину "Абрахам, моющий ноги ангелам" (Париж, Школа изящных искусств). В 1855 году картина Леви "Ной, стремящийся в Ханаан", направленная художником из Рима для участия во Всемирной выставке в Париже, была куплена французским правительством. Эмиль Леви специализировался на изображении в своих картинах античных классических и библейских сюжетов. Картины живописца Эмиля Леви ценились современниками за привлекательную и мягкую манеру письма, точность пропорций фигур и предметов, изящество поз в духе неоклассического стиля. Особенно широкую известность Леви принесли картины со старинными пасторальными любовными сценами.
Например, такими как картина "Головокружение" (1867, Художественный музей, По), которые весьма ценились многими французскими художественными критиками 19 столетия (Жюль Кларети и др.). Однако, помимо пасторальных картин, Эмиль Леви также создавал драматические произведения со сценами жестокости и насилия, например, такие полотна как "Смерть Орфея" (1866, Музей Орсэ, Париж) и "Суд Мидаса" (1870, Музей Фабра, Монпелье).
Вследствие своего иудейского воспитания и образа жизни, Леви в своих картинах часто использовал сюжеты из Ветхого Завета, такие как "Рут и Наоми" (1859, Музей изящных искусств, Руан), описывал еврейские ритуалы (картина "Праздник еврейской семьи в средневековье").
В картинах позднего периода творчества Леви пробовал затронуть более актуальные темы. Художник писал портреты современников, в основном женщин, изображая знатных светских дам в длинных платьях и драгоценностях, используя смелые насыщенные краски для изображения фона картины. Скончался Эмиль Леви в Пасси 4 августа 1890 года.